Hier eine kleine Auswahl von den 20 beliebtesten Album aus dem Jahr 1982 – Teil 1
Es geschah vor 40 Jahren: Bestseller und große Versprechen, proletarischer Rock und globaler Pop, echte und imaginäre Monster. Von Springsteen bis Prince über Costello und Simple Minds, hier ist das Beste des Jahres 1982 und ich war in dieser wundervollen Zeit dabei.
Für Pop- und Rockmusik war 1982 ein Jahr großer Bestseller und großer Versprechungen, das Jahr des Thrillers und der Einführung der CD. Am 1. Oktober vor vierzig Jahren kam die von Philips und Sony gemeinsam entwickelte digitale Diskette zum ersten Mal auf den Markt, allerdings nur in Japan (ABBAs „The Visitors“ war das erste, das gedruckt wurde, Billy Joels „52nd Street“ das erste, das in die Läden kam ), und erst am Ende des Jahrzehnts löste es Schallplatten und Kassetten ab und wurde bis zum Aufkommen der flüssigen Musik zum dominierenden Medium. Zwei Monate später, am 30. November, erschien Michael Jacksons sechstes Soloalbum, ein unbestrittener Bestseller im Zeitalter der „physischen“ Musik, dessen Verkaufszahlen einigen Schätzungen zufolge inzwischen bei fast 70 Millionen Exemplaren liegen. Sicherlich dank eines Rekords, der wie kein anderer in der Lage war, Rassen-, Generations- und Stilschranken zu überwinden, aber auch dank großer Investitionen, die es ermöglichten, die Vervielfachung der Vertriebs- und Verkaufskanäle optimal zu nutzen (es waren die Jahre der großen Ketten, von Walmart). und von Tower Records, Virgin Megastore und HMV) sowie die neuen, außergewöhnlichen Werbemöglichkeiten, die die neuen MTV- und Videoclips bieten.
Die Rockstars der 70er Jahre waren fast alle auf der Suche nach einer Identität und einem Sound, der mit der Zeit ging (The Who mit dem unsicheren It’s Hard, Neil Young mit dem beunruhigenden Trans, Queen mit der kritisierten Durchbruch-Dance-Disco von Hot Space, Während Robert Plant sein Solo-Debüt mit Pictures at Eleven gab, ein paar Monate bevor die Anthologie Coda die Led Zeppelin-Saga abschloss, während Lou Reed (The Blue Mask) und Tom Petty (Long After Dark) würdevoll schwebten, dachte Joni Mitchell über ihre Mitte nach Alter, indem sie mit den überschwänglichen Wild Things Run Fast eine neue Liebe feierten, und Simon & Garfunkel besiegelten ihre umjubelte Wiedervereinigung im Jahr zuvor mit der Veröffentlichung des Audioberichts über das Konzert im Central Park. Mit „Love Over Gold“ machten Dire Straits einen weiteren Schritt in Richtung des Stadionrocks, der ihre letzte Phase ihrer Karriere prägen sollte; Während Bruce Springsteen in Amerika die Erwartungen mit einem düsteren Akustikalbum übertraf, debütierten Madonna (mit der Single „Everybody“) und R.E.M. auf dem Markt. (mit der Chronic Town EP). Mit der Single „Sexual Healing“ und der auch in England hochgeschätzten LP „Midnight Love“ (Album des Jahres für den NME) hinterließ Marvin Gaye der Nachwelt sein spirituelles Testament, während er mit „The Message“ Grandmaster Flash und den „Furious Five“ in gewisser Weise sammelte der Zeuge, indem er das Elend des Ghettos mit einer neuen Sprache erzählt, die auf Rap und synthetischen Beats basiert.
Unter dem Schaum hochrangiger Musik und Massenmusik bewegte sich noch viel anderes: zwischen Los Angeles und seiner Umgebung, auf den Samen, die in den 60er Jahren von Psychedelia, Elektro-Folk, Power-Pop und Country-Rock gesät wurden, dem vergänglichen, aber bedeutenden, aufkeimenden Phänomen des Paisley Underground , während in England junge Rocker und militante Singer-Songwriter lebhaft auf Margaret Thatchers rigorosen und unversöhnlichen Konservatismus reagierten. Aus diesem Grund listet unsere Top 20 des Jahres nicht nur große Hits, sondern auch bis heute lebendige Schläfer oder Kultplatten.
„Früher oder später muss man sich mit seiner Herkunft auseinandersetzen“, sagte Andy Partridge kürzlich über dieses Album, eine ambitionierte Doppel-LP, die XTC in die Phase der künstlerischen Reife beförderte und sie endgültig vom New Wave und Post Punk ihrer frühen Zeiten befreite Tage. Wir können in der englischen Siedlung den Duft eines alten ländlichen Englands riechen (ausgehend von dem Umschlag, der die Figur des Weißen Pferdes von Uffington wiedergibt, die in prähistorischen Zeiten auf einem Hügel in der Nähe ihres Swindon nachgezeichnet wurde): Es gibt Folk, es gibt Akustik und zwölfsaitigen Gitarren, aber auch ihr kantiger und futuristischer Pop (Senses Working Overtime), ein bisschen Ska im Police-Stil (English Roundabout) und sogar einige Ansätze zur Weltmusik (It’s Nearly Africa). Das Beatles-Label der 80er Jahre wird überstrapaziert, aber Partridge versteht es, McCartneys melodische Weisheit mit Lennons exzentrischem Genie zu verbinden (All of a Sudden, No Thugs in Our House), während Bassist Colin Moulding wie ein George Harrison nippt, der den eingängigsten Song der Besetzung spielt (Runaways, Ball and Chain, Fly on the Wall) in einem musikalischen Karussell, das keine Auseinandersetzungen mit der englischen Lebensart, Thatcherismus, Rassismus, Faschismus und dem Musikgeschäft scheut. „Die erste unserer bunten Platten“, resümierte Partridge in dem Jahr, in dem XTC aufhörte, live aufzutreten.
„The Gift“ Jam (März 1982)
Als Paul Weller am 30. Oktober 1982 die Auflösung von Jam ankündigte, versetzte er Legionen englischer Mod- und Rockfans in Bestürzung (ganz zu schweigen davon in Italien, wo die Gruppe nie wirklich Fuß gefasst hatte). Ein paar Monate zuvor hatte er mit The Gift irgendwie vorhergesehen, wo er bei Style Council bald landen würde: hin zu einer noch tiefergehenden Auseinandersetzung mit der schwarzen Musik, die er schon immer liebte, mit dem 70er-Jahre-Funk von Precious und Trans- Global Express, mit dem Motown-Rhythmus und dem Northern-Soul-Aroma der unwiderstehlichen Single Town Called Malice, die seine Konzerte auch heute noch traditionell abschließt: perfekt, um das Zerbrechen eines bestimmten Modus vivendi des Proletariats der Vorstädte unter Thatchers Hammer zu beschreiben, mit einer Sprache, die… erinnert an den Scharfsinn von Ray Davies von den Kinks oder an den Realismus der literarischen, theatralischen, filmischen und fernsehbezogenen Küchendramen des vergangenen Jahrzehnts (in diesem Sinne auch bedeutsam ist Just Who Is the 5 O’Clock Hero). Der Mod-Rock des Titelsongs erinnert an Steve Marriotts geliebte „Small Faces“, die Seele von „Ghosts“ ist eine Einladung, die Maske abzuwerfen, und die Ballade „Carnation“ ist das poetische Bekenntnis eines Mannes, der sich unpassend für die Zeit und ständig außerhalb der Saison fühlt.
„Shoot Out the Lights“ Richard & Linda Thompson (März 1982)
Ein Scheidungsalbum nur auf den ersten Blick: Die Lieder, aus denen es besteht, nehmen die Ehekrise des Königinpaars des englischen Folk-Rocks um mehrere Monate vorweg, auch wenn sie das Ende einer Liebesbeziehung gnadenlos zu röntgen scheinen. Shoot Out the Lights ist viel mehr Rock als Folk (die beiden Genres kreuzen sich vor allem in Back Street Slide, einem traditionellen Tanz, der wie ein hartes Stück von Led Zeppelin arrangiert wird), und ist eine Platte mit ständig nervösen Nerven: in Walking on a Wire wirklich Linda singt, als würde sie am Abgrund schwanken, in „Man in Need“ drückt Richard die Unruhe und Schuld eines Mannes aus, der dabei ist, sein eheliches Zuhause und seine Familie zu verlassen, während die aufregende Atmosphäre von „Did She Jump“ oder „Was She Pushed“ beide zu adaptieren scheint zum tragischen Epilog von Sandy Dennys Leben und zum stürmischen Ende einer Beziehung, und der Jingle-Jangle von Wall of Death (später auch von R.E.M. aufgegriffen) zelebriert mit einer Vergnügungspark-Metapher den lebenswichtigen Nervenkitzel, den diejenigen, von denen er nur einen Schritt entfernt ist, erleben Tod. Noch nie war Thompsons Gitarre auf Platte so scharf und scharf: „Ich hätte nicht gedacht, dass irgendjemand sie noch so spielen könnte“, wird Lou Reed erstaunt sagen, nachdem er sich die verdrehten und psychotischen Soli des Stücks angehört hat, das den Titel des Albums trägt , geschrieben vom englischen muslimischen Singer-Songwriter an dem Tag, als russische Truppen in Afghanistan einmarschierten.
“The Number of the Beast” Iron Maiden (März 1982)
Nachdem Paul Di’Anno verschwunden war, warfen Iron Maiden Bruce Dickinson ins Getümmel und eroberten mit ihrem dritten Album energisch die Krone der Souveräne der neuen Welle des britischen Heavy Metal. Der sehr robuste Brustkorb des Sängers, die extravaganten Duelle zwischen den beiden Gitarren und die epischen Kompositionen des Bassisten Steve Harris ermöglichen es der Londoner Gruppe, dank eines Granit-, aber auch facettenreichen Sounds aus Konzentrik aus der Truppe neuer Heavy-Gruppen hervorzustechen und einhüllende Riffs, martialisches Schlagzeug und grandiose melodische Eröffnungen. Die Bilder und Texte der Lieder sind stark an bestimmte Literatur des 19. Jahrhunderts sowie an Horror- und Science-Fiction-Kino angelehnt. Teilweise inspiriert von einem Gedicht von Robert Burns und eröffnet mit einer gesprochenen Einleitung aus der Apokalypse des Johannes, ruft „The Number of the Beast“ den Vorwurf des Satanismus seitens amerikanischer Religionsgemeinschaften hervor, während „Children of the Damned“ ausdrücklich an die „Children of the Sea“ von Black Sabbath erinnert und „The Prisoner“ wirft einen Blick auf die zeitgenössische Popkultur und beginnt mit einem Dialog aus der berühmten gleichnamigen Fernsehserie. Es gibt keine Füllstücke oder minderwertige Stücke: Die Single „Run to the Hills“ gelangt in die englischen Top 10, während das krampfhafte, dramatische und theatralische Hallowed Be Thy Name zum Arbeitstier in Konzerten wird.
„American Fool“ John Cougar (April 1982)
Springsteen hat den Titel des Rocker-Symbols der Provinz und der amerikanischen Arbeiterklasse vorübergehend vakant gelassen, und John Cougar (noch nicht Mellencamp, in der Musikliste) tritt als Thronprätendent hervor: hungrig, katzenartig und mit scharfen Zähnen, nach einer Weile langen Marsch zum Ruhm, der sieben Jahre dauerte und von vier Alben unterbrochen wurde. Hurts So Good und Jack and Diane, großartige Gitarrenriffs, untermalt von Kenny Aronoffs donnernden Drums und einer leicht aufgeblähten und überflüssigen Produktion, wie es damals üblich war, sind seine Eintrittskarte in die Charts und zum UKW-Radio, die Essenz des amerikanischen Provinzgeists, erzählt durch Liebe Beziehung, deren Protagonisten das Schlimmste von sich geben, und die Geschichte zweier Jungen, die sich in der High School treffen und versuchen, den Moment zu nutzen, bevor ihre Träume vom Ruhm verschwinden. Mit der ohnehin heiseren und körnigen Stimme eines eingefleischten Rauchers beschreibt sich der Rocker aus Indiana in Danger List als einen Kerl, der „zu wild ist, um gezähmt zu werden“, einen Redneck, der es liebt, Chevrolet-Cabriolets zu fahren und dröhnende Harley Davidsons zu fahren (Thundering Hearts), a böser Junge, der die Tugenden des Rock’n’Roll lobt (Close Enough) und der sich erst im zarten und nostalgischen Ende von Weakest Moments, einer Ballade mit Akustikgitarre und Akkordeon, zu beruhigen scheint.
„Big Science“ Laurie Anderson (April 1982)
Der unwahrscheinlichste Chart-Erfolg des Jahres 1982 ist sicherlich O Superman, acht Minuten bizarrer und poetischer elektronischer Fantasie, die von kultivierten Referenzen inspiriert sind (der von Jules Massenet komponierte Text für die Arie Ô Souverain, ô juge, ô père aus der Oper Le Cid, das Buch der chinesischen Weisheit Tao Te Ching) und aus den Nachrichten (das Scheitern einer Militäroperation zur Rettung der amerikanischen Geiseln in Teheran), indem eine durch einen Vocoder verzerrte Stimme einem mit einem Harmonizer modulierten Stimmloop überlagert wird. Laurie Anderson, eine 35-jährige Performance-Künstlerin, gibt ihr Plattendebüt und würzt geniale Intuitionen mit Humor und Anmut: Sie singt nicht, sondern handelt, hinterfragt die Bedeutung und Kurzschlüsse von Kommunikation und Sprache mit einem minimalistischen Ansatz, Sohn von Glass , Riley und Reich und prägnante Texte wie japanische Haiku, die häufig verwendete Phrasen aus dem Kontext reißen und so befremdliche und surreale Effekte erzeugen: „Jump off the plane, there is no pilot“, rezitiert er in der Initiale From the Air mit eisiger und perfekter Diktion , wo Saxophon, Synthesizer und eindringliches Schlagzeug dem Songformat des Albums am nächsten kommen, während Big Science eine leicht düstere Hymne an die Moderne ist und Beispiel Nr. 22 „paranormale Stimmen“ auf Deutsch verwendet. Es ist Musik, die in die Zukunft projiziert wird, einen Ort, der – wie uns X=X mitteilt – „ungefähr 70 Meilen östlich von hier liegt“.
„Pornografie“ The Cure (Mai 1982)
Der letzte Akt der „Trilogie der Verzweiflung“ von The Cure klingt auch heute noch so verstörend wie „Closer“ von Joy Division, ein Eintauchen in die Tiefen einer Psyche (die von Robert Smith), die damals zutiefst von Depressionen und Selbstmordgedanken geplagt war. Wenn man dazu noch eine Gruppe in Unordnung, interne Streitereien und Opfer übermäßigen Drogenkonsums hinzufügt, erhält man ein Album, das ein Lebensleiden präzise abbildet, von dem sich der Anführer dann glücklicherweise erholen kann. Damals heftig kritisiert (auf den Seiten des Rolling Stone ging J.D. Considine so weit, es als „das auditive Äquivalent eines schlimmen Zahnschmerzes“ zu definieren), ist es ein Rekord, den heute jeder als den unübertroffenen Punkt der Ankunft der Heilung betrachtet Gothic-Phase, die in ihrer Klangwahl von Siouxsie and the Banshees und den Psychedelic Furs inspiriert ist und Ian Curtis‘ Joy Division ähnelt, insbesondere in der Grabatmosphäre von Stücken wie Siamese Twins. Klagende Gitarren, im Echo ertrinkende Stimmen, taube elektronische Percussion und eisige Wellen von Synthesizern umhüllen die Totengräber von One Hundred Years und The Figurehead, während die Single The Hanging Garden musikalisch mit einem schwachen Lichtschimmer eröffnet: Pornografie ist das giftige Gegenmittel und robuste Gegengewicht zu bestimmten neuromantischen Lücken, die damals in England vorherrschten.
„Rio“ Duran Duran (Mai 1982)
Die Mädchen streiten sich um Simon Le Bon und John Taylor, aber hinter den Haarbüscheln, den Vokuhila-Frisuren, der Dandy-Eleganz und den leicht grimmigen und leicht trägen Blicken verrät Duran Duran aus Rio auch einen Killerinstinkt und ein musikalisches Talent in perfekter Harmonie mit dem Geist der ganzen Zeit. Glam (David Bowie), Punk und Disco sind die ausgewogenen Zutaten eines tanzbaren und synthetischen Partyalbums, das in seinen Absichten wie ein glitzernder brasilianischer Karneval gefärbt ist, aber durch eine eisige und stilvolle britische Gelassenheit gefiltert wird. Die stark gedrehten Videoclips im Musikfernsehen (in Italien in Massarinis Mr. Fantasy-Sendung) werden Stücken wie „Rio“ und „Hungry Like the Wolf“ einen gewaltigen Schub verleihen, nervöse und bissige Prototypen eines neuen funkelnden und technologischen Pop, der aus der Verflechtung von Gitarren und Elektronik besteht Keyboards, neu entwickelter Sequenzer und Drumcomputer (im Titeltrack fehlt es nicht an einem Saxophonsolo, ein fast unverzichtbarer Bestandteil der Konsummusik der 80er Jahre), sowie Save a Prayer, eine Ballade, die stattdessen einen sogar überraschenden melodischen Geschmack offenbart (Le Bon will sagen, dass der Refrain von „If You Could Read My Mind“ des kanadischen Singer-Songwriters Gordon Lightfoot inspiriert wurde, obwohl es schwierig ist, die Assoziation zu erfassen. Alles ist mit obsessiver Sorgfalt geplant, in einem Album, das Duranmania auslöst: sogar in Italien, wo Clizia Gurrado nur eines der vielen Mädchen ist, die davon träumen, den hübschen Simon zu heiraten.
„Combat Rock“ The Clash (Mai 1982)
1982 steht „die einzige Band, die zählt“ auf tönernen Füßen: Wenige Tage vor der Veröffentlichung seines fünften Albums und während die Vorbereitungen für eine Tournee laufen, taucht Joe Strummer unter; Währenddessen wird der durch Heroin unzuverlässig gewordene Schlagzeuger Topper Headon auf der Stelle gefeuert. Combat Rock wird so zum letzten Feuerwerk eines immer weniger zusammenhängenden und zunehmend kosmopolitischen Quartetts, das sich trotz der Gitarrenangriffe und der gesellschaftlichen Denunziation von Know Your Rights (reiner Strummer, der eine leidenschaftliche Ansprache gegen die Privilegierten hält und sich für die Verteidigung der Rechte einsetzt) weit von seinen Punk-Ursprüngen entfernt hat die Unterprivilegierten). Es ist jedoch vor allem der Gitarrist Mick Jones, der die Gruppe von New York aus auf eine transkontinentale Reise steuert (der Hip-Hop-gewürzte Funk von Overpowered by Funk, ein Red Angel Dragnet, der mit dem Gesang Scorseses Taxi Driver, Ghetto Defendant zitiert). erzählt von Allen Ginsberg) zieht nach Kambodscha, wo der Schauspieler und Fotograf Sean Flynn verschwand, und an alle Orte der Welt – von Vietnam bis Südamerika –, wo Armut und Unterdrückung herrschen (das entfremdete, skelettartige und perkussive „Straight to Hell“ bleibt einer ihrer Orte). die besten Dinge überhaupt). Nicht das gesamte Repertoire ist von höchster Qualität, aber der grundlegende Rock’n’Roll von Should I Stay or Should I Go mit Chören auf Spanisch und das tanzbare Rock the Casbah (das die musikalische Zensur der iranischen Ayatollahs auf instrumentaler Basis verspottet, komponiert von Headon) sind genug und mehr als genug, um es zum Bestseller des Katalogs zu machen, dem ersten Clash-Album, das in den Vereinigten Staaten mehr als eine Million Mal verkauft wurde.
„Avalon“ Roxy Music (Mai 1982)
„Avalon“ Roxy Music (Mai 1982) Wie sehr sich Roxy Music in zehn Jahren verändert hat. Ohne Brian Eno, der das Unternehmen nach nur zwei Alben verlassen hatte, verwandelten sie sich nach und nach in ein Vehikel für die Musik, die Bryan Ferry im Sinn hat, einen sanften, eleganten, verträumten und sanften Pop, perfekt zum Testen der heimischen HiFi-Anlage und sich den Höhenflügen der Fantasie hinzugeben. Besonders bei einer Platte wie Avalon, einer modernen Technicolor-Fantasie, die von der Legende von König Artus und seiner mythischen endgültigen Landung inspiriert ist. Mehr noch als durch die Geschichten, die in den Liedtexten erzählt wurden, wurde das breite Publikum, das ihm einen herzlichen Empfang bereitete, jedoch von den Melodien und dem Klang der einhüllenden, geschwungenen und atmosphärischen Lieder verführt, die völlig frei von der avantgardistischen Härte der ersten Periode waren: dem klassischen AOR von More Than This und Avalon (mit der zweiten Stimme des Haitianers Yanick Étienne) sind die treibende Kraft hinter einer Platte, in der sich die Synthesizer mit den überzeugenden Saxophonen von Andy Mackay und der klaren Leadgitarre von Phil Manzanera in einem Mix vermischen, der auf klinisches Können abgestimmt ist Präzision, bei der hin und wieder der rhythmische Beat an Fahrt gewinnt (der Techno-Funk von The Space Between) und das Pathosniveau steigt (The Main Thing). Es ist das letzte Kapitel der Band und ihr kommerzieller Höhepunkt, bevor Ferry sein Projekt des intellektuellen und raffinierten Smooth-Pops mit folgenden Soloalben weiter ausführt.
Fortsetzung folgt in 5 Tagen
