„Across the Universe“ by Al Di Meola
Ein Beitrag von Carlo Fava LaPadula (CFL)
„Ich wollte diese Musik nehmen und ein bisschen tiefer gehen“ Der Gitarren-Maestro spricht über die Komplexität der Fab Four, Vintage Les Pauls und Marshalls und über die Entdeckung seines inneren Ringo. Im Jahr 2012 ging Al Di Meola durch die Türen der legendären Londoner Abbey Road Studios, um eine intime Version einer Auswahl von Lennon- und McCartney-Klassikern aufzunehmen. Aufgrund außergewöhnlicher Umstände mit einer Martin-Gitarre aus den 1830er Jahren war dieser Korrespondent bei einer dieser Original-Sessions anwesend, und nachdem er Di Meolas meisterhafte Nylonsaiten-Arrangements aus nächster Nähe erlebt hatte, war es keine Überraschung, als schnell die daraus resultierende Anthologie All Your Life entstand wurde, zu einer der meistverkauften Gitarrenplatten des folgenden Jahres. Nach mehreren Alben mit Originalkompositionen, darunter das außergewöhnliche Opus aus dem Jahr 2018, kehrt Di Meola nun mit einem neuen Album mit Beatles-Arrangements zu der Musik zurück, die ihn ursprünglich dazu inspiriert hat, Gitarre zu spielen, diesmal mit einem vollständigen Bandsound namens Across The Universe – The Beatles Vol 2. Wir haben ihn während einer ausgedehnten Europatournee getroffen, um mehr über seine Herangehensweise an das Arrangieren einiger der bekanntesten Melodien der Welt zu erfahren. „Nun, es ist interessant“, sagt er, als er sich mit dem berühmtesten Backkatalog der Welt auseinandersetzt. „Das sind Songs, die wir alle kennen und lieben, und ich habe eine große Leidenschaft für die Beatles. Nachdem ich die erste Platte gemacht hatte und von der Resonanz überwältigt war, wollte ich zum Backkatalog der Beatles zurückkehren, aber diesmal mit einer umfassenderen Produktion.„Du musst deine Einflüsse finden und lernen, indem du versuchst, das zu tun, was sie tun. Als ich jung war, hatte ich einen großartigen Gitarrenlehrer und kaufte so viele großartige Platten, wie ich konnte – ich war ein Plattenfreak. Und natürlich hatte ich New York City in der Nähe und wollte zum Fillmore East. Jeder von Hendrix an spielte dort – The Allman Brothers, The Grateful Dead, The Byrds, The Who, Crosby Stills und Nash, Frank Zappa, alle! Ich ging zu all diesen Shows und nahm alles auf, was ich konnte. Von einem Lehrer zu lernen ist nur ein Teil des Spiels. Alle anderen Aspekte sind genauso wichtig. Die Inspiration, die man bekommt, wenn man Live-Shows sieht und versucht, bestimmte Dinge, die man liebt, auf Platte zu kopieren – das alles ist Teil des Prozesses. „Und Sie sollten besser sehr leidenschaftlich sein – bis zum Wahnsinn, denn dies ist in gewisser Weise eine schwierigere Zeit, um in das Geschäft einzusteigen. Obwohl man sagen könnte, dass es auf andere Weise eine bessere Zeit ist, scheint es mir schwieriger zu sein, weil ich die Erfahrung gemacht habe, in den 70er und 80er Jahren die größte Zeit der Plattenindustrie aller Zeiten zu durchlaufen. Es war phänomenal.“ Across The Universe – The Beatles Vol 2 erschien am 13. März 2020.
„Außerdem wollte ich in einigen Fällen, in denen die Beatles ursprünglich zweiminütige Versionen dieser Songs aufgenommen hatten, in der Lage sein, einige Teile zu schreiben und diese Ideen zu entwickeln, wie ich es bei Strawberry Fields Forever und Norwegian Wood getan habe. Norwegian Wood war im Grunde ein genau zweiminütiges Stück – es ist nur Melodie/Brücke/Melodie/Brücke und es ist vorbei – und es ist wunderschön! Du kannst es überall spielen und jeder kennt es! Natürlich gibt es in meiner Welt keine Texte, also habe ich das Bedürfnis, als Instrumentalist mehr zur Essenz des Stücks in Bezug auf die Komposition zu bringen, und das hört man auf dieser Platte.“ Di Meolas Verehrung für die Fab Four sitzt tief: „Es war das Gesamtpaket, weißt du? Klanglich war es umwerfend. So etwas hatte es vorher noch nicht gegeben, alle versuchten, diesen Maßstab zu erreichen – The Dave Clarke Five, The Beach Boys, The Byrds, sie alle hatten ihre eigene Einzigartigkeit, aber sie alle weisen auf die Beatles hin. Niemand könnte diese schöne Kombination dieser Stimmen wirklich übertreffen. Zusammen waren die Beatles eine Macht. Was sie in nur sechs oder sieben Jahren produziert haben, war einfach überwältigend. „Was ich tun wollte, war, die Musik, die sie geschaffen haben, zu nehmen und mein eigenes Ding damit zu machen und einfach ein bisschen tiefer zu gehen, einige Rhythmen zu synkopieren – solche Sachen. Vieles davon waren Akkordmelodien, wenn man sich die Aufnahme genau anschaut. Ob Sie es glauben oder nicht, diese „einfachen“ Stücke erwiesen sich als viel schwieriger zu spielen und zu proben als alles, was ich zuvor gemacht habe! Die Leute können sagen, dass es nur einfache Popmusik ist, aber die Art und Weise, wie ich es angegangen bin, erforderte, dass ich wirklich hart daran arbeite! Es war nicht einfach „die Gitarre klimpern und die Melodie singen“. Normalerweise zerlege ich die Harmonien größtenteils in eine Art arpeggierter Synkopierung, weil das mein Markenzeichen ist, aber auf dieser Platte sind die Melodien näher an dem, was sie ursprünglich waren.
„Die Musik der Beatles bedeutet für mich pure Freude! Das ist es, pure Freude! es ist eine kombination guter gefühle, die dich in eine zeit der unschuld und jugend zurückversetzt, es entspannt mich, es macht einfach gute gefühle – und gute musik soll so wirken!“ Die Fab Four: Nehmen Sie zwei Di Meolas klanglicher Ansatz mit dieser neuen Platte unterscheidet sich von den intimen Nylonsaiten-Texturen von All Your Life, seinem ersten Beatles-Cover-Album, das 2013 veröffentlicht wurde. „All Your Life aufzunehmen war eine großartige Erfahrung, ich fühlte mich wie ein Fünfjähriger in Disneyland. Jeder Tag, an dem ich dort war, war einfach überwältigend, ich war genau an der gleichen Stelle, an der die Platten der Beatles entstanden sind! Es war wirklich ein erstaunlicher Punkt in meiner Karriere. „Ich wollte diese erste Platte in ihrer Produktion simpel und intim gestalten. Es war sicherlich nicht einfach, wie ich diese Songs gespielt habe, es war verdammt hart – besonders Penny Lane und Michelle – das war brutal! „Die einzige Perkussion bei All Your Life bestand darin, dass ich oben auf die Gitarre klopfte, während es diesmal fast eine vollständige Produktion ist, ich spiele einen Rickenbacker-Bass, genau das gleiche Modell und die gleichen Saiten wie Paul McCartney [Das wird ein 4001 für Low-End-Enthusiasten]. Ich spiele Schlagzeug, ich spiele Percussion, ich spiele E-Gitarre auf der Akustikgitarre, also ist es fast eine Ein-Mann-Band. „Auf Norwegian Wood and Strawberry Fields Forever gibt es einen Tabla-Spieler; Randy Brecker [Trompete] spielt auf Till There Was You; und es gibt auch einige Gesangsstücke mit mir und meiner Tochter und Hernan Romero, der auch als Co-Produzent fungierte. „Die Sache ist, ich weiß, was ich will, und deshalb habe ich die meisten Teile selbst gemacht! Wenn ich einen Schlagzeuger mitgebracht hätte, hätte ich ihm gesagt, dass er genau das tun soll, was ich getan habe. Ich wollte oder brauchte keinen Flash-Drummer, ich brauchte die Teile genau so, wie sie waren. Darüber hinaus gibt es einige wirklich komplexe Rhythmen und Ideen, die unter der E-Gitarre auf Nylonsaiten- und Stahlsaitengitarren ablaufen. Wenn Sie darüber hinaus andere Instrumente haben, die komplexe Ideen spielen, dann muss etwas nachgeben! „Da ich mein eigenes Studio habe, arbeite ich sehr ähnlich wie die Beatles an ‚The White Album‘ – jeder hat seine eigenen Tracks gemacht und sie so gemacht, wie sie es wollten.“ Das Arrangieren der Musik anderer Künstler stellt eine andere Reihe von Herausforderungen dar als Originalkompositionen – ein Teil davon ist die Entscheidung, was beibehalten und weiterentwickelt werden soll und was weggelassen werden soll. „Die Auswahl der Rollen war ganz natürlich, weil ich der Musik sehr nahe bin. Ich fühle eine extreme Nähe zu den Phrasierungen der Melodien und wie sie das gemacht haben. Ich meine, ich habe 50 Jahre mit dieser Musik gelebt. „Die Herausforderung besteht darin, es gut zu spielen. Dies ist kein Album mit Musik, die noch nie jemand zuvor gehört hat – wenn Sie in der Melodie eines Beatles-Songs eine falsche Note spielen … nun … das ist etwas ganz anderes! Der nächste Schritt besteht natürlich darin, zu versuchen, dies in einer Live-Umgebung nachzubilden. Es ist eine Sache, dies im Studio zu tun, aber eine ganz andere, es mit anderen Spielern vor Publikum zu tun.“ Gitarrentechnisch beinhaltete diese Platte eine Auswahl wunderschöner Instrumente sowie ein Wiedersehen mit einem alten Freund. „Wann immer Sie eine Nylonsaite hören, ist es ein Signature-Modell von Conde Hermanos Al Di Meola, und das ist überall auf der Platte. Aber ich habe auch eine Martin D-18 verwendet, ein Modell von 1948, das ewig singt und das hört man ziemlich oft. Ich habe die Ovation [Al Di Meola Signature Model] jedoch auf Strawberry Fields verwendet … ausgerechnet auf Strawberry Fields! Da hat es einfach irgendwie funktioniert. Es gibt auch viele 12-saitige Guild-Gitarren und eine 12-saitige Harfengitarre, die ich bei Here Comes The Sun verwendet habe. „Das Tolle an dieser Platte ist jedoch, dass ich – zum ersten Mal seit 1978 – meine berühmte schwarze Gibson Les Paul von 1971 wiederentdeckt habe. Das war die Gitarre, die ich benutzt habe, als ich zu Chick Corea kam, ich habe Land Of The Midnight Sun und Elegant Gypsy damit aufgenommen und seitdem nicht mehr benutzt, weil ich so viele andere Gitarren kennengelernt hatte, einschließlich Paul Reed Smith-Gitarren, also die Die Tage, in denen ich diese 1971er Les Paul über meinen 50-Watt-Marshall benutzte, waren lange vorbei.
„Weißt du, ein Teil von mir hat sich immer gefragt, wie ich damals so einen druckvollen Sound hinbekommen habe. Das PRS, das durch den Fuchs-Amp ging, war nah, aber es fehlte immer noch etwas und es störte mich so sehr. Eines Tages saßen wir im Studio und jemand schlug vor, den 71er auszuprobieren und fragte mich: „Hast du den alten Marshall noch?“. Also wühlten wir in der Garage, unten im Keller, durch haufenweise Ausrüstung, und hinter einem Haufen Mist fand ich meinen Marshall 50-Watt-Topteil aus der Mitte der 70er! „Ich sagte: ‚Okay, lass uns das Ding anschließen, es wird nicht funktionieren, ich habe es seit 45 Jahren nicht benutzt, es wird definitiv nicht funktionieren‘. Also haben wir es angeschlossen und die ganze Zeit gehofft, dass es nicht explodieren würde – und es hat funktioniert! Dann fanden wir die Kabine, die hatte ich seitdem auch nicht mehr benutzt, und die Lautsprecher funktionierten auch. „Das ist die E-Gitarre und der Verstärker, die man auf der Platte hört, und es war wunderbar, diese Kombination wiederzuentdecken. Es gibt etwas an der Art und Weise, wie sie damals die Verstärker gebaut haben, diese frühen DiMarzio-Tonabnehmer und diese superschwere 71er Les Paul, die man einfach nicht schlagen kann. Und es gibt keine Effekte. Keiner! Du steckst ihn einfach direkt ein. Aber du musst den Verstärker richtig einstellen … keine Höhen, keine Präsenz, Bässe ganz nach oben und das ist der Sound. „Damals, als Larry DiMarzio zum ersten Mal auf Statten Island anfing, war ich einer der ersten Typen, der seine Tonabnehmer benutzte. Er schaute auf meinen Verstärker und sagte: „Wow, so hast du deine Einstellungen? Genau so macht es auch Leslie West!‘ Ich war schockiert. Es war mir fast peinlich, dass die Leute meine Einstellungen sehen und denken würden: „Wow, der ist verrückt!“, aber das war der beste Sound. Dieser Marshall war das Juwel aller Juwelen, es musste ein 50-Watt-Modell sein, die 100-Watt-Versionen klangen einfach nicht so gut.“ Die kreative Seite dieser Platte drehte sich sowohl um Sounds und Texturen als auch um Technik, es gibt sogar eine äußerst authentische Interpretation eines klassischen Mellotron-Parts „Bei anderen Tracks wie Julia wird das Arrangement in den 6/8-Takt in Drop-D-Stimmung verschoben, und die Art und Weise, wie ich spiele, beinhaltet viele Saitensprünge – es ist eine Art arpeggierte Akkordmelodie. Es kann ein bisschen schwierig zu spielen sein, aber es hat sich als eines meiner Lieblingsstücke herausgestellt. Und manchmal ist es die Einfachheit … es ist so stark mit dem G verwurzelt, dass es eine unglaubliche Ästhetik hat. Es ist einfach pure Schönheit. Ich weiß nicht, wie ich es sonst sagen soll. „Ich bin auch sehr stolz auf mein Arrangement von Mother Nature’s Son. Es ist ein Akkordmelodienstück, das sehr, sehr schwer richtig hinzubekommen war. Gut zwei Monate habe ich meine Eier abtrainiert!“ Ein langer und kurvenreicher Weg Angesichts seiner außergewöhnlichen Karriere bis heute – seit seinem Solodebüt Mitte der 70er Jahre hat er über 30 Alben unter seinem eigenen Namen und auch in Kollaborationen veröffentlicht – ist der 65-jährige Di Meola stets bemüht, jüngeren Spielern Unterstützung und Anleitung zu bieten. „Du musst deine Einflüsse finden und lernen, indem du versuchst, das zu tun, was sie tun. Als ich jung war, hatte ich einen großartigen Gitarrenlehrer und kaufte so viele großartige Platten, wie ich konnte – ich war ein Plattenfreak. Und natürlich hatte ich New York City in der Nähe und wollte zum Fillmore East. Jeder von Hendrix an spielte dort – The Allman Brothers, The Grateful Dead, The Byrds, The Who, Crosby Stills und Nash, Frank Zappa, alle! Ich ging zu all diesen Shows und nahm alles auf, was ich konnte. Von einem Lehrer zu lernen ist nur ein Teil des Spiels. Alle anderen Aspekte sind genauso wichtig. Die Inspiration, die man bekommt, wenn man Live-Shows sieht und versucht, bestimmte Dinge, die man liebt, auf Platte zu kopieren – das alles ist Teil des Prozesses. „Und Sie sollten besser sehr leidenschaftlich sein – bis zum Wahnsinn, denn dies ist in gewisser Weise eine schwierigere Zeit, um in das Geschäft einzusteigen. Obwohl man sagen könnte, dass es auf andere Weise eine bessere Zeit ist, scheint es mir schwieriger zu sein, weil ich die Erfahrung gemacht habe, in den 70er und 80er Jahren die größte Zeit der Plattenindustrie aller Zeiten zu durchlaufen. Es war phänomenal.“
