Peggy Lee: Das Leben und Vermächtnis einer wegweisenden Jazzsängerin

Peggy Lees Vermächtnis beeinflusst 20 Jahre nach ihres Todes immer noch neue Sängergenerationen. „Wir können alle von ihr lernen“, sagt die Lee-Forscherin Dr. Tish Oney.

„Peggy Lee war in vielerlei Hinsicht eine Universalkünstlerin“, sagt Dr. Tish Oney, Autorin eines aufschlussreichen neuen Buches über die Sängerin, Peggy Lee: A Century Of Song. „Sie war eine erstklassige Performerin und Aufnahmekünstlerin, Produzentin, Bandleaderin, Songwriterin, Arrangeurin, Sprecherin, Oscar-nominierte Schauspielerin und Texterin für viele kollaborative Komponisten.“ Dr. Oney weist auch darauf hin, dass das Vermächtnis der Sängerin auch ihre aktive Beteiligung daran beinhaltet, Musikern, die mit Filmmusik zu tun haben, dabei zu helfen, ein faireres finanzielles Angebot von Filmfirmen zu erhalten. „Sie hat sich später für Musikerrechte eingesetzt“, verrät Oney. „Sie war also in vielerlei Hinsicht eine Pionierin.“

„Du musst deinen Namen ändern“
Obwohl sie für ihren charakteristischen, schwülen Gesangsstil berühmt wurde, hatte Peggy Lee nicht die besten Starts ins Leben. Ihre Mutter starb, als sie vier Jahre alt war und sie wurde von einer missbräuchlichen Stiefmutter aufgezogen. Aber trotz einer herausfordernden Kindheit verschaffte ihr ihre Liebe zur Musik, kombiniert mit ihrem angeborenen Gesangstalent, schließlich den Weg zu einem neuen und besseren Leben.

Lee wurde im ländlichen North Dakota als Norma Deloris Egstrom geboren. Sie begann noch in der High School mit einer lokalen Band zu singen, was zu Auftritten in einem gesponserten Radioprogramm und schließlich zu einem Vorsprechen bei einem der größten Rundfunksender North Dakotas, WDAY, in der Stadt Fargo, geführt von Ken Kennedy, führte. „Du musst deinen Namen ändern“, sagte Kennedy der 17-jährigen aufstrebenden Sängerin. „Norma Egstrom klingt nicht richtig. Du siehst aus wie eine Peggy. Peggy Lynn. Nein – Peggy Lee“, schrieb die Sängerin 1989 in ihrer Autobiografie „Miss Peggy Lee“.

Egstrom erfand sich als Peggy Lee neu und hatte die Gelegenheit, ihre unruhige Vergangenheit hinter sich zu lassen und eine neue Persönlichkeit zu schaffen sowie einen Neuanfang zu wagen. Nachdem sie sich in Fargo einen Namen gemacht hatte, zog sie 1937 nach Kalifornien, wo sie einen Job als Kellnerin annahm, während sie versuchte, ins Musikgeschäft einzusteigen. Ein Anfall von Mandelentzündung brachte sie aber zurück nach North Dakota. Als sie sich erholt hatte, bekam sie einen regelmäßigen Auftritt als Sängerin in einem Fargo-Hotel, bevor sie wieder auf Tour ging.

Zuerst ging Lee nach Westen zurück nach Kalifornien und dann nach Osten, hinüber nach Chicago. Dort sah Bandleader Benny Goodman sie auftreten und stellte sie ein, um die Sängerin Helen Forrest zu übernehmen, die seine Gruppe verließ. Lee unterzog sich mit dem sogenannten King Of Swing einer Feuertaufe. Sie sollte ohne vorherige Probe mit der Band auftreten (zum Glück kannte sie Goodmans Repertoire bereits) und wurde zwei Tage nach ihrem Beitritt in ein Chicagoer Studio gebracht, um ihr Aufnahmedebüt zu geben. Obwohl sie ins kalte Wasser geworfen wurde, überlebte Lee und fuhr fort, mit Goodman eine Reihe von Hitsingles zu singen, darunter „Somebody Else Is Taking My Place“ und „Why Don’t You Do Right“.

„Sie hatte eine erstaunlich natürliche Technik“
Zu diesem Zeitpunkt ihrer Karriere hatte Lee noch nicht den tiefen, schwülen Ton angenommen, der ihre spätere Soloarbeit definierte. „Sie hatte schon früh in ihrer Karriere eine erstaunlich natürliche Gesangstechnik“, erklärt Oney und analysiert die frühen Pre-Solo-Seiten der Sängerin. „In ihren Big-Band-Jahren mit Benny Goodman konnte Peggy das Timbre und die Qualität vieler verschiedener Sänger erreichen, die kanarienähnliche, höhere Stimmen hatten. Sie können eine sehr natürliche, schöne Mischung in ihrer Stimme hören, bevor sie anfing, tief zu singen. Sie hat in diesen frühen Aufnahmen wirklich bewiesen, dass sie die Technik hat, eine Vielzahl von verschiedenen Stilen extrem gut zu singen.“

Nachdem sie Goodman 1943 verlassen hatte, unterschrieb Lee bei Capitol Records. Der Niedergang der Big Bands am Ende des Zweiten Weltkriegs, hauptsächlich aufgrund wirtschaftlicher Faktoren, verhalf Lee zu seinem Aufstieg. Sie begann Aufnahmen mit kleineren Ensembles zu machen, was es ihr ermöglichte, eine ausdrucksstärkere Art zu singen, die das Geschichtenerzählen unterstützte und Intimität vermittelte.

„Niemand hat sie in den Schatten gestellt“
Bei Capitol sammelte Lee eine Fülle von Hits, darunter den Chartstürmer „Mañana (Is Soon Enough For Me)“, bevor sie 1952 für fünf Jahre zu Decca wechselte, was ihr berühmtestes Album „Black Coffee“ hervorbrachte. 1957 kehrte sie für einen zweiten, viel längeren Aufenthalt ins Capitol zurück, der sie bis 1972 führte. „Sie war die am längsten am Capitol unterschriebene Künstlerin mit ihrem fortlaufenden 22-Jahres-Vertrag“, verrät Oney und hebt Lees langen hervor läuft beim Hollywood-Plattenlabel. „Niemand hat das übertroffen.“

Lee hat über 40 Alben für Capitol gemacht und sich während dieser Zeit mit verschiedenen Genres beschäftigt, die von Jazz, Pop, Latin und Blues bis hin zu Rhythm’n’Blues, Kabarettsongs, Gospelnummern und sogar Softrock reichen. Lee selbst kann keine musikalischen Grenzen. Sie schrieb in ihrer Autobiografie: „Ich hatte nicht vor, Jazzsängerin zu werden und ich weiß auch jetzt nicht, was für eine Art von Sängerin ich bin, aber Louis Armstrong sagte, ich habe immer gewusst, wie man swingt.“

Laut Oney entstand Lees Eklektizismus aus dem Wunsch, auf dem Laufenden zu bleiben. „Sie war daran interessiert, relevant zu bleiben, während sich der Musikgeschmack ändert. Sie wollte natürlich, dass ihre ehemaligen Fans sie weiterhin lieben, aber sie wollte auch neue Musik entdecken und mit zunehmendem Alter junge Fans gewinnen. Sie respektierte aktuelle Songwriter in jedem Jahrzehnt, in dem sie sich enthalten, also strebte sie danach, bis ins hohe Alter sehr neue Musik aufzunehmen.“

Lees Bereitschaft, mit verschiedenen Musikstilen zu experimentieren, unterstrich ihre Neigung, Risiken einzugehen – etwas, zu dem viele andere Sänger nicht bereit waren. „Sie hat uns ein Beispiel einer Künstlerin hinterlassen, die keine Angst davor hatte, Risiken einzugehen und Musik zu erforschen, die sie zuvor noch nicht ausgewertet hatte“, erklärt Oney. „Sie war risikofreudig und blieb musikalisch nicht immer an einem sicheren Ort.“

„Ein Künstler, der keine Angst davor hatte, Risiken einzugehen“
Dr. Oney, dessen neues Buch über Lee eher eine Erforschung ihrer Musik als eine Standardbiografie ist, sagt, die Sängerin habe eine stimmliche Nische entdeckt, die sonst niemand besetzt habe. „Sie hatte einen Konversationsstil“, bemerkt Oney, „und das passte auch sehr gut zu ihrer herausragenden textbasierten Improvisation, weil sie sich dann in ihrem Sprechbereich befand und das Singen als eine Art Sprechen auf der Tonhöhe erforschen konnte. ”

Abgesehen davon, welche anderen einzigartigen Qualitäten hatte Lee als Sänger? „Peggy hatte auch eine unübertroffene Phrasierung“, sagt Oney. „Und eine Art, den Rhythmus so zu manipulieren, dass sie dazu passt, wie sie etwas sagen wollte, wobei die Texte immer im Vordergrund stehen und ihnen die höchste Priorität eingeräumt wird. Sie beherrschte auch dezenten Gesang.“

Obwohl einige Lee als Jazzsänger betrachten, gibt es andere – insbesondere innerhalb der Jazz-Community – die dies nicht tun. Laut Dr. Oney: „Viele Leute erkennen Peggy Lee nicht als Jazzsängerin an, weil sie so viele Dinge gut gemacht hat und nicht nur auf Jazz beschränkt war“, sagt sie. „Einer der Gründe, warum sie per se nicht als Jazzsängerin angesehen wurde, ist ihre Methode der Improvisation. Es enthielt keinen Scat-Gesang, aber ich denke, das ist ein Versehen der Jazz-Community, weil Peggys textbasierte Improvisation genauso schwierig ist wie die Scat-basierten Improvisationen von Ella Fitzgerald und Sarah Vaughan.“

„Ein sehr subtiler Improvisator“
Für diejenigen, die mit dem Konzept der textbasierten Improvisation nicht vertraut sind, erklärt Dr. Oney es in ihrem Buch: „Bei der textbasierten Improvisation wird der Text gesungen, aber der Sänger ändert Noten und Rhythmen und weicht in unterschiedlichem Maße von Melodik und Rhythmik ab Organisation des Komponisten.“ Lee folgte damit dem Beispiel ihres Idols Billie Holiday, die als eine der ersten Jazzsängerinnen textbasierte Improvisation erforschte. Wie Holiday spielte Lee mit der Melodie eines Liedes herum, gestaltete Phrasen um und änderte das Timing und die rhythmische Betonung in Bezug darauf, wie die Texte vorgetragen wurden. Aufgrund dieser Herangehensweise sang Lee nie ein Lied zweimal auf die gleiche Weise, was Oneys Meinung nach auf Extemporierung hinweist, das Markenzeichen aller echten Jazzmusiker.

„Sie war eine sehr subtile Improvisatorin“, sagt Lee. „Man merkt, dass es sich um Improvisation handelt, denn wenn man sich ihre anderen Aufnahmen anhört, ist kein Song wie der andere. Sie plante ihre Auftritte nicht, um sich selbst nachzuahmen. Jedes Mal, wenn sie „Fever“ sang, sang sie es ein bisschen anders.“

„‚Fever‘ war ein radikaler Aufbruch“
„Fever“ war natürlich Lees Chartstürmer-Cover des R&B-Sängers Little Willie Johns R&B-Hit von 1956 und wurde zu einem der charakteristischen Songs der Sängerin. Mit seiner Mischung aus Aromen verwischt es Genres. „Es war eine Verschmelzung verschiedener Stilrichtungen“, erklärt Oney. „Es war Popmusik, aber es war Blues. Und es war auch Jazz. Daher war es sehr schwierig zu kategorisieren.“

In Bezug auf das Arrangement des Songs war „Fever“ für die damalige Zeit neuartig. „‚Fever‘ markierte definitiv eine Abkehr von vielem, was sie zuvor gemacht hatte“, verrät Oney. „Das war ziemlich radikal. Sie reduzierte es auf Stimme, Bass und Fingerschnippen. Sie hatte eine sehr klare Vorstellung davon, was sie wollte, und so wurde es durch seine Einfachheit und den minimalistischen Ansatz universell. Die ganze Aufmerksamkeit galt ihrer Stimme mit ihren bluesigen Nuancen und rhythmischen Phrasierungen, die eine einzigartige Darbietung für sie schufen.“

„Sie hat sich von Nachahmung ferngehalten“
Was bei Bewertungen von Lees Karriere oft übersehen wird, ist ihr Talent als Komponistin. Sie war eine bemerkenswerte Songwriterin zu einer Zeit, als es nur wenige weibliche Tunesmiths gab, aber Lee musste kämpfen, um ihre Songs aufzunehmen. „Sie wurde davon abgehalten, viel eigenes Material einzubringen“, sagt Oney. „Sie wollten, dass sie sich auf die Musik konzentriert, die sie aufnehmen sollte, aber sie war eine sehr produktive Autorin, die über 270 Songs komponierte.“ Darunter waren die Hits „Mañana (Is Soon Enough for Me)“, „What More Can A Woman Do“ und „It’s A Good Day“. Fishin”), Victor Young (“Johnny Guitar”), Sonny Burke (“He’s A Tramp”), Cy Coleman (“That Was Then”) und Johnny Mandel (“The Shining Sea”).

Zu Lees Einflüssen gehörte die Bluessängerin Lil Green (die das Original „Why Don’t You Do Right“ sang), aber sie achtete darauf, andere nicht zu imitieren und suchte nach einem Sound, der einzigartig für sie war. „Sie liebte den Gesang von Ella Fitzgerald, hielt sich aber von jeder Nachahmung von ihr fern“, sagt Tish Oney. „Sie respektierte Billie Holiday sehr und wurde im Laufe ihrer Karriere oft mit Billie verglichen, leugnete jedoch, sie nachgeäfft zu haben. Sie wollte nicht als jemand angesehen werden, der jemanden nachahmt, also musste sie ihre eigene Art finden, sich auszudrücken, während sie denen huldigt, die sie beeinflusst haben.“

„Wir können alle von ihr lernen“
Obwohl 20 Jahre seit Lees Tod im Jahr 2002 im Alter von 81 Jahren vergangen sind, findet ihre zeitlose Musik weiterhin ein begeistertes Publikum. „Sie ist äußerst relevant in dem Sinne, dass ihre Phrasierung, ihr Timing, ihre Tonhöhenpräzision, Eleganz, Aufführungspraxis und ihr Ausdruck wirklich nicht zu übertreffen sind“, sagt Dr. Oney. „Egal, wie lange sie schon weg ist, wir können alle von ihr lernen.“

Der Autor von Peggy Lee: A Century Of Song sieht die Sängerin auch als eine der herausragenden Stylisten des 20. Jahrhunderts und glaubt, dass Peggy Lee zu einer kleinen, aber elitären Gruppe von Sängern gehört, die dazu beigetragen haben, die Popmusik zu formen. „Wenn man bedenkt, dass sie über 1.100 Aufnahmen gemacht hat, nähert sich das der Leistung von Frank Sinatra“, sagt Oney. „Zusammen mit Bing Crosby und Louis Armstrong waren sie und Frank die männlichen und weiblichen Lenker der Musik des 20. Jahrhunderts.“

Link zum Buch Peggy Lee: A Century Of Song von Tish Oney: https://www.amazon.de/Peggy-Lee-Century-Song-English-ebook/dp/B088KVQM3Z